Greg Koch стал уже регулярным гостем на стендах компании Музторг на выставке Музыка Москва. И этот год оказался не исключением. Гитарист уже давно стал эндорсером компании Fender, в поддержку оборудования которой он и приезжает на различные выставки. На прошедшей уже 16-ой по счтеу выставке Музыка Москва 2010 Greg Koch представлял новую линейку усилителей, представленной компанией Fender на выставке NAMM 2010 (о серии Fender G-DEC3 мы уже писали).

Чтобы понять кто такой Greg Koch придется заглянуть в его послужной список, так как среднестатистическому гитаристу из России он вряд ли знаком совими сольными работами(хотя стоило бы), у нас его знают по нескольким видеошколам (лучшие хиты Stevie Ray Vaughan, стиль Stevie Ray Vaughan, стиль Lynyrd Skynyrd и т.д.) ну и по паре книжек, выпущенных издательством Hal Leonard (Blues Guitar и Country Guitar). Greg Koch известен по всему миру своими записями в стиле кантри/блюз а так же отличными каверами классики блюза и не только. За свое "плохое" поведение его безумно любит публика, чем не применули воспользоваться ребята из Fender и постоянно вытаскивают гитариста на различные выставки.

Нельзя сказать что Greg устроил мастеркласс на Музыка Москва 2010, скорее это просто была демонстрация возможностей нового комбика от Fender, но смотреть рекомендуется всем и каждому. Юмор Greg иногда переходит из обычного в музыкальный(периодические цитаты известных мелодик к месту и не только, и изображения типичного рок соло), поэтому если вы не видели этого вживую(а народу было маловато), то обязательно посмотрите.

PS: сьемка велась на камеру телефона, так как сам я попал на музыка Москва прямиком из аэропорта и не особо подготовился, из-за чего иногда демпфер убирал от микрофона телефона, и в итоге это вылилось в периодические перегрузы на записи, но вся музыка слышна отлично, а это главное.

Еще немного фото и видео с выставки Музыка Москва 2010

В ожидании выставки Музыка Москва 2010

Australian International Music Show 2010 – Marshall представили именную модель усилителя Slash AFD100

Greg Howe в twitter

Summer NAMM 2010 – новые модели Fender Super-Sonic Combo, Head и Enclosure

© 2009 - 2010 GuitarLine.Ru | Мастеркласс Greg Koch на Музыка Москва 2010 |
рубрики: Гитаристы, Избранное
метки: Fender, Greg Koch, Music Moscow, Музторг

Друзья, сегодня хочется представить интервью с гитаристом, который смог вернуть гитарную музыку на экраны центральных каналов. Его клип с небезызвестным коллективом танцоров достаточно активно участвовал в ротации и запомнился абсолютно всем, и теперь, это практически единственный концертирующий гитарист в стране. К тому же с полностью “живым” коллективом.

У нас в гостях Дидюля.

GuitarLine.Ru: Как так вышло, что сотни простых мальчишек играли на гитаре, но из них стал музыкантом Дидюля? Может, есть секрет, который поможет сотням тоже научиться?

Дидюля: Секретов никаких нет, в любом деле есть самоотверженная честная работа, труд, игра, желание поделиться своими находками, открытиями с другими людьми. И вот эта вера, желание и какие-то легкие ненавязчивые первые шаги являются хорошим толчком в том, чтобы выйти на сцену с инструментом и что-то сыграть, что-то подарить и о чем-то рассказать зрителю и слушателю. Это видимо в любом деле, в любой профессии важным очень вектором и важной энергией является желание подарить и дать что-то  ближнему. Вообще человек без труда не может, и любой труд он созидателен, я считаю, а уж труд музыканта тем более. У меня всегда было желание поделиться той радостью, которая была в сердце, радостью к красоте музыки, каких-то интересных мелодиях. Хотелось языком музыки общаться с внешнем миром и вот это желание, оно преобладало над всеми остальными желаниями, и появлялись мелодии, слушая которые, люди понимали, что в этих мелодиях есть сила, есть мысль, есть какой-то рассказ, есть какой-то посыл, который о чем-то рассказывает. Собственно это и было главным секретом, который остается и является сейчас секретом в моем творчестве. Играли на гитаре многие, но у разных людей были разные посылы, наверно поэтому Дидюля, каким-то образом стал заметен, его музыка стала востребована. Наверно потому, что в этой музыке есть жизнь, есть рассказ, может быть еще что-то. Мне трудно судить об этом, но то, что у меня искренний и чистый посыл к слушателям и зрителям - это однозначно!

GuitarLine.Ru: Музыканты относятся к своим работам как к детям, интересно, какая собственная композиция нравиться больше всего?

Дидюля: За годы работы записано много музыки, много альбомов, разные композиции. В творчестве я стараюсь разнообразно подходить ко всему - к аранжировке, к мелодии, стилистике, Космополитичен в чем-то. Любая композиция интересна, любая композиция-это маленький отрезок жизни и творческой и просто человеческой жизни, это какая-то может быть встреча, какой-то поступок, интересное природное явление или просто какой-то сон, ощущение мимолетное. Все это отражается в музыке, поэтому выделять одну какую-то композицию, две или три - сложно. Но есть однозначно композиции, которые были написаны в юности и они в моем сердце до сих пор, я их несу и на концерте играю, они записаны в студийных условиях. Есть и концертные интерпретации есть еще может быть интерпретации импровизационные какие-то, такая музыка есть, но мне не хочется ее выделять. Все композиции, все альбомы, все студийные или концертные какие-то поиски или открытия они все дороги и ценны как дети и кого-то выделять не хочется на самом деле. Я и не буду.

GuitarLine.Ru: Расскажите подробнее о работе с симфоническим оркестром.

Дидюля: Альбом «Музыка неснятого кино» записан и с симфоническим оркестром и с использованием современных технологий студийных и с использованием современных звукозаписывающих гитарных технологий , там слилось воедино очень много разных интересных мыслей, художественных, творческих, мыслей экспериментальных. И это, в общем, привело к тому, что появился альбом «Музыка неснятого кино» и  главной отличительной его особенностью от других альбомов является оркестровый звук. В Киеве я познакомился с очень интересными музыкантами из камерного оркестра. Оркестр студенческий при консерватории и молодые музыканты были, в общем-то, собраны одним педагогом, очень интересным ярким персонажем – Ольгой Тарановой, для того, чтобы записать совместно с нами интересную работу. Была задача записать альбом, были очень интересные мысли, как использовать и сэмплированные звуки, и живые, и гитарную концепцию, и композиторскую концепцию, все это собрать воедино. Оркестр на время студийной работы приобрел название «Отто». Ольга Таранова как главный оркестровщик, человек, который оркестровал музыку являлась на тот момент художественным руководителем оркестра и, работая между 2-х городов, между Киевом и Москвой, мы приступили к работе. Это был достаточно долгий промежуток времени, не спеша, постепенно в течении 2-х лет накапливая материал, работая в студиях, работая за компьютером , работая с сэмплами, работая с большими серьезными библиотеками звука мы создали эту работу. После того как была закончена студийная часть, оркестр был ну не расформирован ,но он разошелся, скажем так. Дальше уже в студийных условиях  я продолжил работу здесь в Москве со своим замечательным звукоинженером и специалистом по современным технологиям звукозаписывающим - Сергеем Мигачевым, с которым мы уже работаем очень много лет. Вот, собственно, вкратце о работе с оркестром. Это смешанная работа , где использовались технологии и живые и живых инструментов и технологии сэмплерные и звуковые библиотеки и все это в общем-то привело к тому, что появился альбом «Музыка неснятого кино», который был очень ярким, интересно воспринят музыкальными критиками. Эта музыка сразу же нашла применение именно в кино, в документальном и художественном, полюбилась и театральными режиссерами , полюбилась спортсменами. Конечно же, я выделяю эту пластинку. Мне очень приятно, что эти мои мечты и идеи и мои музыкальные фантазии вылились в потрясающие композиции под общим названием «Музыка неснятого кино».

GuitarLine.Ru: Современная музыка пишется "внутри компьютеров" и все сэмплы и дорожки жестко синхронизируются. Тяжело было записываться с оркестром?

Дидюля: В том то и дело, что технологии были уже отработаны и опыт студийной деятельности у меня большой, поэтому сложностей не было. Гораздо было сложнее заставить того или иного музыканта сыграть с тем или иным характером, сыграть группой или квартетом или секстетом, какие-то пачки мы проигрывали по частям, где-то мы использовали сэмплы, где-то мы подмешивали звуки искусственные к живым. Работа была смешанная, очень интересная и привела к хорошим результатам. Мне не всегда хочется делить работу любую студийную на живую, на электронную, на сэмплерную или на какие-то другие. Есть конечный результат- музыка, и если эта музыка находит слушателя, находит аудиторию, то это и есть главный окончательный результат. Каким это образом все делается совершенно не важно. Или аналоговые технологии и музыкант живьем играл, или он смоделировал игру на каком-то синтезаторе или компьютере – совершенно не имеет значения. Если есть посыл, если есть трепетная интересная, искренняя музыка, то уже не имеет значение каким образом, какими технологиями она сделана.  В данном случае у меня есть обширный опыт по студийной работе, по работе живой с группой или сольно, отдельно, квартетами, дуэтами, неважно как, опыта достаточно. Я всю жизнь занимаюсь музыкой и студийной работой, поэтому тяжело не было, а было интересно, увлекательно. Были конечно какие-то проблемы , но они решались достаточно легко, просто и без проблем.

GuitarLine.Ru: Сейчас есть великое множество различных плагинов и библиотек, которые тем или иным способом должны помочь творческому процессу музыканта/аранжировщика, не приходилось ловить себя на мысли, что уже второй час подряд сочинение стоит, а идет процесс подбора звуков или просто прослушивание сэмплов новой библиотеки, которая затеряется впоследствии в просторах винчестера?

Дидюля: Нет совершенно, это нормальный творческий процесс и современная музыка пишется по очень разным шаблонам , по очень разным технологиям, очень разными алгоритмами и поиск звука – это такая же увлекательная работа , такая же интересная, яркая как и просто само сочинение музыки. И конечно же, когда я приступаю непосредственно к студийному процессу, я уже знаю какой примерно звук должен быть, какая будет примерно аранжировка, какой будет характер у звуков, у ритм-секций, в какой тональности, в каком ритме, в каком темпе. Все уже подготовлено, осмыслено и каким-то образом проиграно. Конечно спонтанной импровизационности место тоже есть, здесь важно, чтобы звукоинженер и твоя студийная команда быстро тебя понимала, подхватывала идеи и вместе созвучно с твоим настроением помогала тебе в каких-то моментах. Но все-таки я единолично, единовластно, эгоистично сам вникаю в каждый звук, в каждый нюанс, каждый аккорд. Какие-то моменты связаны с редактированием, с наполнением звука, с дублированием, с прописыванием дополнительных партий или поиском звуков, созвучий, сэмплов, все это делаю сам, потому, что это моя музыка, это моя аранжировка в итоге, в результате, и я отвечаю за конечный результат полностью и бесповоротно, поэтому не доверяю никому в этом процессе. Все аранжировки, все альбомы , все пластинки, каждое произведение, которое выпущено мною за последние 10 лет, оно сделано непосредственно мной при пристальнейшем моем участии и полном  контроле творческом и полной цензурой творческой, отвечаю за каждый абсолютно звук и за каждую микросекунду звучания своей композиции. Студийная работа она разная, она интересная, но повторюсь, прослушивание тех же сэмплов, фраз, фрагментов, изучение библиотек и прочее – это увлекательнейшее интересное дело, которое я очень люблю и именно благодаря этому получилась музыка богатая, разнообразная. И Дидюлю, если послушать на пластинках, то можно открыть целый мир звуков, мир красок, мир мелодий, нюансов, очень много закадровой музыки, которую мы практически не слышим, но она существует, очень много детализации, нюансировки, много тонкой редакторской работы – вглубь, ширину, объемах. Очень важно все, вплоть до паузы между произведениями, где-то она на полсекунды больше паузы, где-то она меньше, где-то между треками есть какие-то нюансы, есть , повторюсь, закадровый звук, который мы не слышим, но который тоже прописывается. Вообще очень много нюансов и звук это увлекательнейшее полотно, на котором можно творить увлекательно, глубоко, тонко, очень изящно и очень красиво. Всю жизнь я посвятил звуку, студийным технологиям, записи – как записать гитару, какие используются микрофоны, в том или ином случае, как подходить к процессу  записи того или иного произведения, потому, что разные произведения записывается по-разному. Какие-то идеи надо записывать строго в студии, очень серьезно, может быть, с использованием аналоговых технологий, такое тоже есть, я могу загоняться по этому. Дома же можно легко, ненавязчего и спокойно, просто  в компьютере сделать любую идею. Где-то нужно только живьем сыграть с группой, абсолютно четко синхронизируя все взаимодействия между музыкантами – такое тоже есть. Повторюсь, технологий очень много и каждое произведение имеет свой, абсолютно свой путь появления на свет, свой путь рождения. Благо у меня есть возможность экспериментировать, есть инструменты, студия, музыканты, аппаратура, есть фантазия, есть желание, есть самое главное – хороший посыл к зрителям и к слушателям ради которых, я , собственно, и сочиняю музыку и играю и выхожу на сцену

GuitarLine.Ru: Бывали ли случаи, когда из просто демки, записанной на скорую руку,  получалась песня, и именно этот первый дубль шел бы в финальный микс?

Дидюля: Да, такое бывает, легкое ненавязчевое демо, какая-то может быть спонтанно сыгранная фраза, мелодия или какой-нибудь интересный риф на порто-студии вдруг потом в конечном итоге становился главным, немножко обрабатывался, добавлялся, оживлялся, и являлся неким шаблоном для дальнейшей работы и ложился в первый микс. Конечно, такое бывает и современная техника, аппаратура позволяет делать так, чтобы музыка хорошего CD-качества начинала свой путь с простых демок или может быть даже иногда с аналоговых порто-студий, такое бывает и это здорово и замечательно, что можно зафиксировать идею, сохранить и потом, может быть в дальнейшем использовать, так, что это практика достаточно распространенная, по крайней мере в моем случае. Я совершенно не загоняюсь по какому-то ультра-качеству, мне важна художественная идея, именно художественное качество, техническое качество для меня не имеет ровным счетом никакого значения. Т.е. я могу взять абсолютно шумящий записанный трек, неровно сыгранный, небрежный, непричесанный, с какими-то может даже ошибками, и я совершенно, без зазрения совести, его смогу смело разместить в финальной где-то композиции, абсолютно не боясь ничего. И таких примеров много, если прислушаться к моему творчеству, посмотреть за композициями, понаблюдать, то можно много таких великолепных образчиков музыки найти и она нисколько не умоляет музыку, а наоборот приобретает интересный вкус, колорит, интересную изящность

GuitarLine.Ru:Не каждый гитарист нашей страны, который обладает достаточным запасом техники и имеет определенный сольный материал, в наши дни может похвастаться таким успехом у широких масс. В чем секрет?

Дидюля: Есть не секрет, а есть просто труд, большой объем работы, который приходится выполнять. Это непросто сочинить музыку, удачно ее записать, именно красиво ее записать, сделать так, чтобы музыкальная идея была понятна, ясна. Здесь, конечно же, важно тоже как записан музыкальный материал, насколько он не перегружен по звуку, насколько мысль открыта и интересна тоже в том числе. Поэтому техники не достаточно, техники именно музыкальной, т.е. нужна еще светлая простая музыкальная идея. Техника, конечно, хорошо и она помогает добиться каких-то интересных результатов, это как средство художественного самовыражения, но еще нужна яркая музыкальная идея изначально, прежде всего музыкальная красивая идея. Сольного материала нужно много, т.е. одной пластинки недостаточно, чтобы стать заметным на горизонте инструментальной музыки. Инструментальной музыки очень много делается, очень много производится, очень много сочиняется, ее много выпускают и на западе, и в нашей стране стараются музыканты. Но смелыми яркими интересными идеями блещут не многие, очень много музыкантов увлекается техникой, самолюбованием, виртуозными пассажами, какими-то может быть еще аспектами звука, но меньше всего люди думают о музыке, о мелодизме. И уж совсем музыканты почему-то бояться как огня простоты. Вот это меня всегда удивляло и поражало, почему музыканты- инструменталисты не хотят и не любят играть просто. Ну , видимо здесь, они не хотят выглядеть неумелыми и простыми ребятами перед своими коллегами, это, конечно, большой минус, потому что научиться просто излагать свои мысли, как оказалось, сложно. Добиться простоты в музыке – это очень тяжело и я по себе сужу, что найти какое-то простое решение , можно сыграть 500 нот, а можно сыграть 5 нот. Вот эти 5 нот, для этого потребуется убрать все 495 ненужных нот, оставить только 5 очень тяжело. Потому что, вроде ты учился, всю жизнь занимался на гитаре, играешь очень быстро, технично и куда это все девать, когда в музыке для того, чтобы передать одну какую-то идею нужно совсем чуть-чуть. Тяжело музыканту от этого багажа отказаться. Молодые сочиняющие композиторы начинают поливать как из шланга просто. Миллион нот, миллион идей,  возможности позволяют, компьютеры работают, музыканты строчат по клавишам, бьют, по барабанам лупят, в итоге получается очень загруженная, чересчур плотная, непонятная музыкальная масса, в которой очень сложно разобраться самому музыканту, а уж слушателю и подавно. В этом одна из проблем современных молодых музыкантов, композиторов. Они ищут себя в музыке, очень сильно мудрят и в итоге музыка теряет вкус, теряет аромат, теряет смысл по большому счету и ее не интересно слушать. Я это проанализировал еще много лет назад и понял, что именно простые, ясные, красивые, лаконичные решения музыкальные, есть мое творческое кредо. Да есть технический багаж, есть желание иногда играть сложную, философскую, загруженную, многонотную музыку и, конечно же, тоже есть место в моем творчестве, но на концертах  у нас очень большая интересная яркая программа, супер музыканты, у меня лучшие музыканты страны, потрясающая группа, мы играем вместе уже 10 лет. И, конечно, же на концерте мы даем волю разным эмоциям, там есть и быстрая музыка и медленная, и сложная и легкая, и громкая и тихая, и понятная и непонятная, и веселая и грустная и еще масса характеристик, присущих концертной программе. Но когда я сажусь в студии, когда я начинаю записывать музыку, я понимаю, что та или иная мелодия, та или иная идея требует совершенно простого подхода, совершенно ясного, лаконичного изложения. Тогда зрители, слушатели получат потрясающее удовольствие от идеи, от музыки, от звука, и тогда они смогут расслушать все точно, детально, четко, каждый нюанс. В студийной работе много всего, но вместе с тем, именно душевность, эмоции, посыл, хорошее настроение можно передать только будучи очень уверенным в себе, спокойным, взвешенным, с размеренным абсолютно характером, музыкальным характером музыкант. Вот это является основным у меня секретом, можно назвать это творческим подчерком. Мне нравится простота, понятность, душевность, искренность, и, конечно же, безупречное техническое качество музыки и звука. В моем случае совпало наверно, что любовь к очень простым и ясным, красивым мелодиям, техническая скрупулезность, отточенность аранжировок, хорошая команда людей, которых я набрал очень давно, вот это в результате и привело к тому, что Дидюля стал чуть популярнее, может быть, чем другие музыканты. Но я совершенно не обольщаюсь по этому поводу, для меня это не имеет по большому счету никакого значения, для самое важное значение – это желание поделиться  красивой музыкой со слушателями, с аудиторией. Кому-то мы нравимся, кому-то мы не нравимся, кто-то приходит на наши концерты, кто-то нет, кто-то покупает наши альбомы, кто-то нет, это абсолютно нормальная ситуация, такой же и я. И здорово и замечательно, если будет много других гитаристов, будет масса других инструменталистов, музыкантов. Стилей много, характеров много, но самое главное музыканту нужно быть свободным, открытым, ярким и я, собственно, по этому пути и иду, являюсь свободным, не боюсь экспериментировать, не боюсь простоты. Я всегда про это говорю, что простая, красивая, ясная мелодия очень дорого стоит. Но а когда уж хочется оторваться и загрузить себя и слушателей, милости просим на концерт друзья, там есть всему место, в большом 3-х часом сольном концерте есть абсолютно все грани, как, на мой взгляд кажется, моего творческого мировосприятия, моей творческой натуры и там, конечно же, можно найти все, можно и удивиться и ужаснуться и вознестись и просто спрятаться от звука и масса еще каких-то других эмоций, впечатлений, ощущений, которые присущи Дидюле, замечательной команде, все это можно увидеть в живом концерте.

GuitarLine.Ru: Гастроли никогда не обходятся без курьезов, что больше всего запомнилось во время концертирования по городам России?

Дидюля: Да, само по себе путешествие это уже замечательный хороший праздник, очень интересный яркий курьез, который меня наполняет, дает возможность по-новому смотреть на мир, на себя, на музыку, на зрителя, на концерты. Живой интересный концерт, который происходит у нас, в нашем случае, это яркое уникальное явление в России, в постсоветском пространстве. К сожалению немного пока инструментальных концертов в России проходит, и мы идем по сложному очень пути, по сложной дорожке, которую прокладываем другим музыкантам. Но вместе с тем, гастроли помогают мне понять себя, понять зрителя, понять то уникальное время, в которое мы живем, отображать его в наших концертах, в нашей новой музыке, понимать музыкантов и с ними идти по очень сложному тернистому пути под названием музыка.

GuitarLine.Ru: Многие музыканты на концертах играют кавера песен любимых исполнителей, стоит ли ждать того же от Дидюли. Может быть даже целый альбом?

Дидюля: Есть любимые произведения, но как-то так получается, что очень много своей музыки, своих идей, они меня окутывают, они на меня сваливаются, где-то я что-то улавливаю в космосе, где-то мне что-то снится, где-то каким-то образом ощущением дежавю происходит в руках, в голове, по-разному. Поэтому сейчас мое сердце принадлежит авторской музыке, своим идеям, своим новым альбомам. И вот сейчас я готовлю к выходу новый альбом, который увидит свет буквально в конце января, в феврале(по техническим причинам неработоспособности  почты, публикация интервью задержалась-прим. GuitarLine). Следите за нами, за нашим творчеством, друзья. Приходите к нам на сайт www.didula.com , обращайте на нас внимание и, собственно, авторская музыка, авторский новый альбом, открытие, обновление концертной программы, поиск новых созвучий, инструментов, аранжировочных красок и решений каких-то режиссерских, концертных это то, чем я сейчас занят, это в чем я нахожусь и купаюсь как рыба в воде. Но может быть со временем любимые композиторы, любимые музыканты найдут отображение в моем творчестве, все может быть и время покажет.

GuitarLine.Ru: У каждого гитариста есть своя коллекция гитар, какой самый необычный струнный инструмент есть в коллекции Дидюли и можно ли его уже услышать на записи, или можно будет услышать в будущем?

Дидюля: Судьба мне подарила возможность играть на большом количестве разных гитар и на сегодняшний день у меня очень обширная коллекция гитар, около 25 разных инструментов, это и классические гитары и фламенко и гитары акустические современные, дредноут, блюзовые, электрогитары, безладовые, электроакустические, всевозможные струнные инструменты из стран Средней Азии, Востока, Турции, Египта, Китая, Мексики, и греческая бузука, и уд, и саз, и дутар, и масса других инструментов. Все они не музейные экспонаты, а активно используемые, инструменты, которым я уделяю много внимания, времени, они активно используются в студийной деятельности и в концертной, гастрольной. На концерте меня всегда сопровождает 5 разных инструментов, 5 разных звуков, тембров, очень интересные, яркие, но выделить какой-то один необычный не могу, мне в свое время очень понравились безладовые гитары, мне понравился уд, они нашли применение в моих предыдущих альбомах, в альбоме «Пещерный город Инкерман», эта музыка нашла применение в альбоме «Цветные сны». Теперь я очень активно использую гитары мастера Козырева Александра – замечательный мастер, который делает по моим эскизам для меня инструменты. Параллельно являюсь эндорсером фирмы «Кармен» они делают для меня тоже специфические инструменты по моим заказам, по моим чертежам. Я экспериментирую не только в области струнных инструментов, не только в области гитар, но и вообще в области любых инструментов, учитывая то, что у меня в концерте есть и обширнейшие барабанные установки, масса перкуссии, всевозможные духовые, включая и саксофоны, и дудук, и всевозможные самодельные духовые инструменты, масса бас гитар, ладовых, безладовых модификаций, всевозможные клавишные, семплеры, компьютеры, какие-то забивки, ритмсекции, проигрыватели семплов итд итп. Плюс еще куча струнных инструментов, используется голос как инструмент. Потом все это приводит к тому, что инструментов много, и выделить что-то одно я не могу.

GuitarLine.Ru: Гитаристов хлебом не корми, дай обсудить оборудование звезд. Самый излюбленный и самый никчемный вопрос - на каких струнах играет Дидюля?

Дидюля: Да, оборудование любят обсуждать, у каждого свой набор всяких приборов, секретов, фишек, каких-то находок, которых за творческую жизнь накаливается много и у музыканта есть свои уже какие-то наработки. По поводу струн  я не оригинален, мне нравится d’Addario, мне нравятся струны толстые, крепкие, сильные, жесткого натяжения, экстра-жесткого, экстра-хард я использую 44 комплект, как правило, мне они нравятся, они испытаны временем, я знаю их тембр, он предсказуем, струны толстые, крепкие, их сложно разыграть, нужно прилагать достаточно серьезные усилия, но мне они наиболее подходящие, к моим гитарам, к моему звукоизвлечению, ну и к жесткому стилю игры и работы. Потому что гастрольный стиль подразумевает много переездов, всевозможные температурные перепады, гитары испытывают нагрузки, поэтому к струнам тоже особое отношение у меня, и струны d’Addario мне нравятся именно тем, что они выдерживают достаточно жесткие эксплуатационные нагрузки. Меньше рвутся, дольше держат строй, менее критичны к температурным перепадам, перепадам влажности. Поэтому именно с этими струнами я наиболее часто и сталкиваюсь, и работаю с ними. Мне так же нравятся и струны La Bella, тоже экстра-хард я использую как правило для классической гитары или для гитар фламенко, чуть реже струны Hannabach, чуть реже Augustin. По большому счету иногда бывает, что попадаются какие-то струны, на которых можно поэкспериментировать и это тоже бывает, но это уже в домашних условиях. А в гастрольной жизни как правило D’Addario.

GuitarLine.Ru: Последние 10 лет в России достаточно много стало появляться гитарной музыки, как акустической так и электрогитарной, что нас ждет в будущем, пусть это будет своего рода прогноз от Дидюли.

Дидюля: Музыка развивается, инструментальная музыка, в том числе развивается, поэтому будут появляться новые музыканты. Я слежу за какими-то новыми веяниями, мне много присылают записей разных музыкантов и не только из стран постсоветского пространства, но и из-за границы. Есть предложения по сотрудничеству, по продюсированию, по помощи, поддержке. Присматриваюсь, смотрю, ищу, в общем-то, я в поиске, мне интересна сама по себе идея продюсирования и помощь молодым начинающим музыкантам, гитаристам, композиторам и не только гитаристам, а вообще инструменталистам. Жанр будет развиваться, мы в этом направлении делаем очень многое и, собственно, своим творчеством я говорю о том, что инструментальная музыка востребована, она интересна, она может быть яркая, в смысле концертном, может завораживающей и очень интересной для массового слушателя, для широкой аудитории и всеми своими творческими какими-то открытиями, решениями, гастролями, концертами, пластинками,  я об этом широко говорю, так, что друзья, жанр будет развиваться, он интересен, он многогранен, он универсален, он не имеет границ географических, эмоциональных, так, что музыка инструментальная, гитарная, электрогитарная, акустическая находится на стадии зачаточной, но она развивается и в России это очень интересное перспективное направление. Так что прогноз у меня хороший, но надо время, надо чтобы организовался еще и институт продюсирования, чтобы появились новые финансовые какие-то вливания в этот жанр. Прежде всего это конечно же люди, это прежде всего музыканты, интересные, свободные, яркие композиторы и, конечно же, такие же яркие свободные продюсеры, менеджеры, которые будут заниматься организационной стороной вопроса в инструментальном жанре, на это надо время, ну и, собственно и терпение.

GuitarLine.Ru:  Ну и на прощанье, можно сыграть что-то такое, чтобы душа сначала свернулась, а потом...

В общем, чтобы все гитаристы, которые прочитали интервью, вдруг бросили мышки и взяли в руки гитары.

Дидюля: Ну сыграть в диктофон, это не очень благородная идея, заходите на наш сайт www.didula.com , смотрите информацию о нас и будите читать информацию в разных городах страны, приходите к нам на концерт,  у меня обширный, масштабный тур намечен на февраль, март месяц, приходите к нам на концерт и там я вам с радостью сыграю много разной музыки. Это будет не одно произведение, это будет 3 часа настоящей, интересной, яркой инструментальной музыки в исполнении не только моем, но и моей замечательной группы музыкантов. Так что я , Дидюля, рад был говорить с вами, общаться. Давайте видеться на концертах, слушать музыку и позитивно смотреть на жизнь, на музыкальную жизнь и на жизнь музыкальную гитары. Всего доброго! С уважением ко всем, Дидюля и моя замечательная команда и группа! Всем до свидания!

Спасибо Дидюле за интересные ответы. Пока я разгребал проблемы с доменной почтой (запись интервью благо осталась в сохранности после восстановления резервной копии), прошло достаточно много времени, и Дидюля уже успел закончить работу над новым альбомом, надеюсь впредь подобных накладок не будет, и у нас еще не раз появятся подобные музыканты в гостях.

Эффект ореола в музыке

Интервью Paul Gilbert март 2007

Kiko Loureiro интервью для Guitar Institute

Интервью Vinnie Moore для Modern Guitar

Интервью с администратором сайта truerock.net

© 2009 - 2010 GuitarLine.Ru | Дидюля: о музыке и вдохновении |
рубрики: Гитаристы, Избранное, Интервью
метки: Дидюля

Глем рок умер? Только не для группы Steel Panther. Группа была создана в 2000 году, когда о глеме не было слышно ничего, кроме редких покупок настоящих фанатов на amazon или e-bay. Но вот 4 музыканта из Los Angeles решили повернуть время вспять. Они сразу же стали известны благодаря своим текстам и внешнему виду.

В июне 2009 года группа выпустила полновесный альбом Feel the Steel, и 8 декабря альбом появился в каталоге iTunes.

Квартет начал свою карьеру на Sunset Strip это участок бульвара Сансет длиною в полторы мили, тогда группа называлась Metal Shop, затем сменила название на Metal Skool и в конце концов остановились на названии Steel Panther. Фронтмен группы Ralph Saenz начал свою карьеру в кавер группе исполняющей песни Van Halen, группа называлась Atomic Punks. Следующая группа была более именитой, это были L.A. Guns, за 97-98 годы группа выпустила один EP Wasted. Гитарист группы Russ Parrish("Satchel") успел поиграть до Steel Panther в группе War&Peace, которую организовал басист Dokken Jeff Pilson, а так же в группе фронтмена Judas Priest Rob Halford.

В 2001 группа выпустила сингл "Love Rocket" и в прессе расползлись слухи, что это одни из тех глем-рокеров, которые не получили свой кусок популярности в 80-ые. В имидже группы есть все необходимые атрибуты: начесанные спреем копны волос с химией, кожаные куртки и конечно леопардовые спандексы. В 2003 группа выпустила клип на песню "Fat Girl (Thar She Blows)", позднее песня "FF" была использована в шоу MTV Fantasy Factor. В феврале 2009 на концерте группы успели засветиться следующие знаменитости: Criss Angel, Kenny Loggins, Paul Stanley, Corey Taylor, David Draiman, Drew Carey, Jerry Cantrell, Justin Hawkins, Kelly Clarkson, Phil Anselmo, Billy Ray Cyrus, Tom Morello, P!nk и Avril Lavigne, и это все несмотря на то что в своей песни Death To All But Metal группа обстебала почти половину поп- и метал- исполнителей современности.

О группе можно много рассказывать, но лучше один раз увидеть, чем сто раз услышать)

Steel Panther - Death To All But Metal Video

Опыт рока – год за годом

Подборка гитарного видео с Youtube#1

Концерт группы Asia в Санкт-Петербурге 7 декабря

Новый альбом Richie Blackmore: Autumn Sky

Flying Colors новый проект с участием Mike Portnoy и Steve Morse

© 2009 - 2010 GuitarLine.Ru | Steel Panther – возвращение глем-рока |
рубрики: CD's, Избранное
метки:

Прошел ровно год с того момента как Michael Jackson анонсировал концерты "This Is It" на O2 Arena в London. Журналисты Sawf News взяли интервью у гитаристки Jennifer Batten, которая довольно долго была в аккомпанирующей группе короля поп-музыки, и узнали, что значит быть за сценой в турне Jackson.

Jennifer Batten, при звуке этого имени мало кто может понять о ком идет речь, но если вы увидите ее, вы сразу же ее узнаете (у нее был достаточно яркий сценический костюм во время всех турне с королем поп-музыки, так что даже Greg Howe когда замещал ее,  одевал начесанный парик и кожаный прикид).

В 80-ые и 90-ые она играла на стадионах по всему свету, ее постеры висели в спальнях всех девушек фанатеющих музыкой и Michael Jacson, на ее месте хотели быть тысячи девушек по всему миру. В группе короля поп-музыки Jennifer Batten выделялась своей копной белых волос.

"Это была идея Michael, чтобы покрасить мои волосы в белый цвет и поднять их лаком кверху. На всех фото группы вы видите Michael Jackson и мои волосы" - говорит Batten.

Jennifer была гитаристкой у Michael Jackson в течении десяти лет, во время его трех мировых турне. В возрасте 29 лет она стала известной благодаря королю поп музыки. Еще в возрасте 12 лет она сказала своей матери, что хочет стать профессиональной гитаристкой, прежде чем присоединиться к группе Michael Jackson она играла у одного из клонов Элвиса.

Jennifer увлекалась музыкой BB King и Brownie McGee, в юном возрасте она поступила в Musicians Institute в Los Angeles.

"Я была единственной девушкой среди 60 парней" говорит Jennifer. "Но у меня не было проблем в общении. Чтобы не мешать окружающим я играла в ванной, к тому же там была отличная естественная реверберация."

Прослушивание для турне BAD

После нескольких концертов с двойником Элвиса, Jennifer какое-то время жила в San Diego и играла в кавер группах. Но вскоре ей такая работа надоела, и она переехала в Los Angeles чтобы продолжить карьеру музыканта. Прошло немного времени и она начала преподавать в своей бывшей школе(MI), как раз в это время агенты Michael Jackson искали гитариста в MI.

"На прослушивании было порядка ста человек, обстановка была довольно напряженной. Когда я вышла играть, передо мной была только видеокамера, не было группы. Все что от меня требовалось это поиграть немного фанковых рисунков, я и играла. Затем я закончила свое прослушивание соло из песни Beat It, я много играла ее во время выступлений в кавер группах. Я думаю, именно это соло сыграло ключевую роль."

Место в группе Michael Jackson в 1987, по словам Jennifer, изменило ее жизнь. "Это было похоже на оплачиваемый отпуск. До этого мне приходилось играть и преподавать семь дней в неделю, а теперь я играла всего 2 дня в неделю и получала в десять раз больше."

Репетиции турне BAD

Репетиции начались сразу же после прослушивания, семь дней в неделю, два месяца подряд. В первый месяц танцоры и музыканты репетировали отдельно. На второй месяц все собрались в одной студии, чтобы отработать каждый элемент шоу вместе. Именно тогда Jennifer впервые встретила Michael Jackson.

"Мы слышали, что если Michael нравиться как играет группа, он начинал танцевать прямо заходя в студию. Мы заканчивали играть, и он знакомился с новыми членами группы. Я помню, увидела его менеджера Frank Dileo с сигарой. Это было похоже на сон, встретить этих двоих вместе. Я помню, что Michael выглядел великолепно вблизи. Он просто был очень красив.

Michael был просто трудоголиком. В конце двух месяцев репетиций, мы играли всю программу шоу один или два раза в день. Я бы сказала, что научилась этому у Michael Jackson: значение большого количества репетиций осознаешь, когда играешь на концерте и чувствуешь себя абсолютно расслабленным."

Турне BAD

Турне открывалось в Токио, по словам Jennifer оно было потрясающим. "Я никогда не играла для такого огромного количества людей. В турне Michael просто неповторим, я имею ввиду его работу на публику. Видя его, вся группа так же работает на все 110%."

Но впоследствии Batten открыла для себя другую сторону работы в группе Michael Jackson. "Мне предложили уйму денег, лишь за одно "откровенное интервью" для National Esquirer. Я была потрясена, они наверное больные. Я просто играю эту замечательную музыку на концертах и не собираюсь опускаться до их уровня. Мне это не нужно."

О изоляции Michael Jackson

По словам Batten Michael Jackson был заложником своей популярности.

"Если Michael хотел куда-то поехать, ему приходилось вызывать телохранителей, и планировать всю поездку. Если он собирался в магазин, он звонил, и магазин приходилось закрывать для него. Он был заложником гостиничного номера.

Jackson компенсировал такое затворничество специально организованными экскурсиями по закрытым местам, которые организовывали для всей группы.

Впервые это было в Токийском Диснейленде. Это было просто невероятно. Мы катались на американских горках, и так продолжалось довольно долго."

После турне Bad

Турне Bad закончилось в январе 1989 года, и группа была распущена. Впоследствии Sheryl Crow, которая была бэк-вокалисткой в группе, рассказала о том, что Michael был очень высокомерным человеком, но это была всего лишь попытка поднять шумиху, чтобы раскрутить собственную пластинку. Она говорила, что Jackson было наплевать на людей, поэтому он даже не интересовался их именами.

Batten возражает: "Я думаю, вокалисты просто очень чувствительны, однажды, Michael действительно случайно назвал Sheryl именем Jennifer, и это вывело ее из себя. Но надо понимать, что Michael окружает больше полуторасотен людей и ему сложно запомнить всех, хотя он и старался."

Когда турне Bad было окончено, Jackson вернулся в студию для работы над альбомом Dangerous. Batten воспользовалась этой передышкой, чтобы поработать над собственным сольным альбомом.

Спродюсированный Michael Sembello,  учеником Stevie Wonder, "Above, Below and Beyond" был выпущен в 1992 году.

Турне Dangerous

В этом же году Batten пригласили снова присоединиться к группе Michael Jackson для работы над турне Dangerous, что дало гитаристке лучшую возможность раскрутить собственную запись.

Несмотря на множество сплетен о внешности и финансовом состоянии, по словам Batten это был "все тот же Michael", но только немного усталый.

"Я заметила, что он был очень занят в то время. Как-то он пришел на репетицию и извинился, что пропустил пару дней репетиций. Он сказал, что все последнее время у него были 'совещания после совещаний после совещаний'".

Жесткое расписание Jackson диктовало еще более жесткое расписание репетиций, помогло то, что многие песни перекочевали из сет листа турне Bad. "Это немного разочаровало группу, потому что мы все хотели играть новый материал" - говорит Batten. Одна из немногих новых песен - Remember The Time - и та была вырезана из сет листа после проблем с гардеробом танцоров.

"У всей подтанцовки были костюмы стилизованные под Древний Египет. Во время первого шоу, у одного из танцоров костюм просто упал на пол. Это взбудоражило менеджмент и Jackson" - смеется Batten.

Но на этом проблемы с гардеробом не закончились. Во время исполнения Beat It Jennifer Batten носила головной убор с волоконно-оптическим кабелем, когда все в конце песни выбегали вперед и если кто-то вдруг наступал на кабель, это стуком отдавалось Jennifer в голову.

"Он всегда хотел сделать лучшее шоу в мире. Он хотел, чтобы его шоу были как Рождество для людей. Его воображение было похоже на торнадо. Он выходил на сцену со всеми своими сокровенными фантазиями, и предлагал публике присоединиться к этому празднику. Это было просто потрясающе быть частью такого шоу."

Концерт на финале Супер Кубка

В январе 1993 года Batten была в группе Michael Jackson, когда он выступал на концерте в честь финального матча Супер Кубка по американскому футболу, это шоу смотрели 1,5 миллиарда людей.

"Говорю вам, это был первый раз, когда я видела, что Michael волновался. Это было живое выступление в перерыве между парой рекламных роликов о картофельных чипсах. Там было так много тумана, что я и Michael сначала заблудились, в этом вся прелесть живого выступления. Ты никогда не знаешь, как пойдут дела. Это было лучшее выступление, оно больше никогда не повториться."

HIStory Tour

В январе 1994 года Michael Jackson начал работу над альбомом HIStory. В 1996 году Batten вернулась в команду, для работы над туром HIStory, по словам Jennifer это было решение, принятое в последнюю минуту.

"Я приступила к работе буквально за неделю до начала репетиций, это было вызовом. Просто безумие какое-то. Мне пришлось отказаться от всех остальных своих проектов ради этого турне."

Турне принесло еще несколько проблем с костюмами. На этот раз Jennifer просто боялась своего черного латексного костюма.

"Эта маска, которую мне приходилось носить...ух..страшноватая штуковина. Кто-то показал Michael книгу с рисунками в духе S&M, но стоит признать, что иллюстрации были красивыми. Книга ему запомнилась, но в реальности все было не так красиво" - смеется Jennifer. "Я постоянно говорила себе, что это просто ради шоу, к музыке это не имело никакого отношения."

Турне вызвало много критики от фанатов, многие говорили, что в шоу как раз и не хватало музыки, и было слишком большой акцент на театральной постановке.

Фанаты говорили, что у Michael Jackson проблемы с голосом, и поэтому в новой программе акцент был смещен на шоу. "На самом деле Michael каждый вечер перед концертом разминался. Из его гримерки постоянно доносились звуки арпеджио."

Batten говорит, что она была сначала встревожена решением Michael Jackson заканчивать каждый концерт с выходом детей на сцену с обеих сторон.

"В конце шоу Michael погружается в сцену на лифте с девочкой и мальчиком, я думала, что он не должен был этого делать из-за всех этих скандалов. Но знаете, почему из-за всей этой шумихи он должен что-то менять? Он не делал ничего плохого, так в чем дело?"

Турне HIStory закончилось летом 1997 года, после этого пути Michael Jackson и Jennifer Batten разошлись.

"Я начала работать над своей карьерой. Если бы он позвонил, было бы отлично, если нет, ничего страшного не случиться. Но в любом случае это было лучшее время в жизни."

Смерть Michael Jackson

Jennifer Batten говорит, что новость о смерти Jackson застала ее за рулем машины, когда ей позвонил знакомый.

"Я не хотела в это поверить, тем более было слишком много новостей о смерти Jackson за всю его жизнь. Но когда я узнала, что это правда, я просто не смогла представить как жить без него."

Несколько недель после смерти Michael Jackson Batten не могла смотреть новости, видя, сколько там было лжи о короле поп-музыки.

"Я просто не могла смотреть все это. Было так много шоу на тему жизни и смерти Jackson, я начала смотреть одно из них, это было настоящим дерьмом. Каналы сделали на его смерти очень много денег, после смерти все думали только о том, как могут нагреться на этой новости. Сейчас люди узнают все больше правды о Jackson. Люди могут быть очень жестокими."

Фильм This Is It

Всего несколько друзей и знакомых Michael Jackson смогли заставить себя и посмотреть фильм This Is It, Jennifer была одной из них.

"Я никогда не видела ни одного видео о Michael Jackson, я хотела увидеть его талант еще раз. То как он пел Human Nature было потрясающе. Его движения были непохожи ни на одного танцора."

Благодаря дружбе со специалистом по макияжу в команде Michael Jackson Karen Faye, Jennifer Batten узнала, что во время съемок фильма This Is It он выглядел очень болезненно, при прикосновении его кожа была холодной и он очень быстро терял вес.

"Она общалась с Michael ближе всех на тот момент. Она говорила, что он чувствует себя очень плохо, но никто из менеджмента не обращал внимания на ее предупреждения. Вы это не увидите в фильме, потому что там собраны только лучшие моменты репетиций. В фильме видно, что на некоторых песнях он одет в 4 разных костюма, просто потому, что он ни разу не допевал песню до конца. Но никто никогда не покажет этого в фильме."

Сейчас Batten работает над своей карьерой. Она не только пишет новую музыку(в том числе работает над полностью акустической программой), но и активно гастролирует. Весь 2010 год она будет разъезжать по миру с концертами со своим шоу.



На альбоме Michael Jackson Immortal можно будет услышать игру Greg Howe

Orianthi – мечты стали реальностью!

Jackson T-1000 именная гитара Scott Ian из Anthrax

Шесть струн и мечта: Ron “Bumlefoot” Thal о работе гитаристом

NAMM 2010 немного видео с зимней выставки

© 2009 - 2010 GuitarLine.Ru | Jennifer Batten рассказывает о работе с Michael Jackson |
рубрики: Гитаристы, Избранное
метки: Jennifer Batten

Orianthi Panagaris только 24 года, но она уже сделала столько, столько хватило бы иному гитаристу в два раза старше ее. Ее поддерживает Steve Vai, в 15 лет она уже джемовала с Carlos Santana и Prince в Австралии гастролировала с Carrie Underwood и в прошлом году она была выбрана в аккомпанирующий состав Michael Jackson для участия в его шоу "This Is It" на O2 Arena.На первый взгляд может показаться что Orianthi одна из поп-звезд однодневок, но путешествие по миру музыки для Orianthi началось задолго до этого. Она начала играть на акустической гитаре в возрасте 6 лет. В 11 в ее родной город приезжал Carlos Santana и это выступление вдохновило Orianthi на усердные занятия.

"Я начала играть на гитаре благодаря Carlos Santana" говорит Orianthi. "Именно после этого концерта я начала по-настоящему серъезно заниматься на гитаре. До этого я просто играла на акустике аккомпанирующие партии, и после шоу решила заняться сольной игрой."
Сейчас Orianthi играет на гитарах той же марки, что и Carlos Santana, компания PRS в этом году выпустила именную модель гитаристки.

"Я умоляла родителей купить мне такой же PRS как у Carlos Santana. Я была очарована его музыкой, и его техникой. Он вкладывает всю свою душу в игру."

В 18 она встретила Santana на саундчеке и он пригласил ее выступить вместе с ним на концерте. После этого она заработала репутацию в среде музыкантов и поработала с Prince.
"Джем с Prince был чем-то нереальным" говорит Orianthi. "Это было великолепно. Prince удивительный музыкант. Он играл на басу, я играла на гитаре и Sheila E. играла на барабанах. Мне этот джем запомнился на всю жизнь."
В 2008 Orianthi привлекла внимание Simon Fuller, который узнал о гитаристке от Howard Benson работавшем тогда с Orianthi.
Для того чтобы подписать контракт на выпуск первого альбома, гитаристке достаточно было просто прислать свою запись Stirling McIlwaine.
"Она принесла с собой акустическую гитару" говорит McIlwaine. "Она играла бенды так, как я раньше не видел, ее игра была весьма впечатляющей."
После этого McIlwaine познакомил Orianthi с Fuller, который был впечатлен игрой гитаристки настолько, что решил уделять больше внимания Orianthi в ущерб такому крупному проекту как "American Idol".
Первая по-настоящему крупная работа для Orianthi была с Carrie Underwood. На концертах на молодую гитарстку обратила внимание и пресса и публика.
Во время турне с Underwood Orianthi заметил и король поп-музыки Michael Jackson. Он написал сообщение Orianthi на MySpace. Она сначала не поверила и попросила McIlwaine проверить. Менеджер Джексона подвтердил предложение и попросил разучить три песни - “Beat It,” “Dirty Diana” и “Wanna Be Starting Something”.
"Когда я приехала на прослушивание, я старалась не думать о всех тех крутых гитаристах, которые играли в составе группы Michael Jackson. Было достаточно сложно играть, но я просто решила играть по-своему."
Сразу же после прослушивания Orianthi была принята в группу короля поп-музыки и начала работу над материалом тура "This Is It".
Но турне не суждено было состоятся из-за безвременно оборвавшейся жизни Michael Jackson. После этого Orianthi вернулась к работе над своим сольным альбомом.
"Я очень горжусь альбомом. Я много работала, и сейчас очень взволнована, потому что предстоит играть свою музыку на нескольких концертах. В 2009 году альбом был почти готов, так что сейчас я просто добавила несколько песен."
Выход альбома планируется на октябрь этого года, но уже сейчас у Orianthi запланировано турне.
"Многие говорят мне, что я упустила свой шанс поработать с королем поп-музыки. Но мне все же это удалось. Хоть немного, но я играла с Jackson. Сейчас у меня только одно ощущение - мечты стали реальностью!"

На альбоме кроме сольных работ Orianthi нас ждет дуель со Steve Vai. Остается только немного подождать и мы сможем оценить талант восходящей звезды гитары.

NAMM 2010 немного видео с зимней выставки

Jennifer Batten рассказывает о работе с Michael Jackson

На альбоме Michael Jackson Immortal можно будет услышать игру Greg Howe

top 10 гитаристов по версии журнала Time

Jackson T-1000 именная гитара Scott Ian из Anthrax

© 2009 - 2010 GuitarLine.Ru | Orianthi – мечты стали реальностью! |
рубрики: Гитаристы, Избранное
метки:

Andy Timmons, работая в поп-метал группе Danger Danger, объездил весь свет, открывая концерты таких групп как  Kiss и Alice Cooper. Группа продала более миллиона дисков и дважды видеоклипы получали #1 место в хит-параде MTV. Сольная дискография Andy Timmons насчитывает 7 альбомов. Они состоят из вокальных и инструментальных треков, которые нельзя охарактеризовать каким-либо одним стилем, там есть все, от блюза и хард рока, до поп песен навеянных творчеством Beattles.

Одной из составляющих музыкальной карьеры стала сессионная работа. Гитару Andy Timmons можно услышать на альбомах Simon Philips, Olivia Newton-John(какое-то время Timmons был директором певицы), Kip Winger, Paula Abdul, Paul Stanley. Он так же участвовал в некоторых концертах тура G3 со Steve Vai и Joe Satriani.

От Andy Timmons давно не было вестей, однако, последний на сегодняшний день альбом "Resolution" не позволяет снимать этого гитариста со счетов. Альбом был записан в 2006 году, и состоит из 10 отличных иснтрументальных гитарных композиций, сыгранных вживую трио Andy Timmons Band. В состав группы кроме самого Andy Timmons входят басист Mike Daane и барабанщик Mitch Marine. C первого же трека(Deliver Us) альбом не оставляет сомнений у слушателей, что работа проведена серьезная, ребята из EQ Mag по этому поводу вывели Andy Timmons на чистую воду и он рассказал подробнее о процессе записи альбома.

"Запись строилась на экспериментах и открытиях в процессе работы" говороит Andy. "'Resolution' стал первой моей записью где звучит только трио: бас, барабаны и гитара. Идею подбросил Steve Vai(который к тому же выпустил альбом на своем лейбле Favored Nations), после прослушивания моих песен с альбома That Was Then, This Is Now. Пара песен там так же были исполнены в трио и Steve сказал, что ему нравиться слушать мою игру, что я хорошо передаю динамику, и он предложил записать целый альбом в таком ключе. С первых минут  работы было понятно что это достаточно серьеный вызов мне как музыканту."

"Конечно, основой звучания альбома стал звук гитары, мы серьезно работали над тоном. Вот вам несколько советов, которыми мы пользовались при создании альбома."

Назовем их "Timmons Method"

Стерео звучание

Andy Timmons во время записи альбома "Resolution" играл через пару усилителей, таким образом добившись стерео звучания. Сигнал проходил через усилители Marshall Super Lead plexi '68 и Marshall '79, сигналы были жестко разведены по каналам. При записи использовались кабинеты 2x12 и 4x12 Mesa/Boogie Recto с динамиками Celestion Vintage 30.

Доверяйте проверенным методам

Большинство продюсеров во время записи используют много различных микрофонов для подзвучивания гитары,но Andy Timmons на этот раз поступил иначе.

"Я использовал микрофоны Shure SM57" говорит Timmons. "Мы опробовали во время записи множество различных моделей микрофонов, но всегда возвращались к SM57."

Забудьте об  эквалайзерах

Самым неожиданным моментом во время записи и сведения альбома "Resolution" было то, что сопродюссер альбома Mike Daane не использовал никакой эквализации на гитарных треках. Daane этим старался добиться максимально реалистичного звучания гитары. Разницы в гитарном звуке удалось добиться благодаря изменению положения микрофонов относительно кабинетов.

"Mike был главной составляющей этой записи." говорит Andy. "У него отличных слух, и мы с ним постоянно работали вместе, чтобы добиться наилучшего результата. Если нам не нравился звук гитары, мы просто двигали микрофоны, пока не удавалось найти наиболее подходящее звучание для каждой песни."

"Любите свою крошку!"

Andy Timmons не использовал арсенал гитар для записи альбома "Resolution", в основном на записи звучит Ibanez AT300(дека - красное дерево, Wilkinson tremolo, датчики DiMarzio Cruiser в позиции у грифа и посередине и DiMarzio AT Custom хамбакер у бриджа ), именная модель гитариста. Andy участвовал во всех этапах создания инструмента, он достаточно долго играл на этом инструменте, поэтому ему не составило труда заставить ее звучать на записи именно так, как надо. Это, пожалуй, лучший совет, который может дать Timmons "любите свою крошку".

Рабойте над записью удобным вам способом

Timmons и Daane использовали достижения современной звукозаписи на полную катушку. Запись барабанов и баса велась на 2" ленту аналогового магнитофона через старую консоль Neve, чтобы придать партиям более насыщенное звучание. Затем эти треки были загружены в Pro Tools и Logic, это позволило Timmons поработать над партиями гитары, постоянно дорабатывая их с уже готовыми ритм треками. Когда Andy записал все партии гитар, их снова загрузили в Proo Tools для финальной работы над миксом.

Совсем недавно вышел концертный DVD Andy Timmons Band "Live Resolution". Ну и напоследок видео о том как Andy Timmons начал работу над альбомом "Resolution".

Andy Timmons Band Plays Sgt. Pepper

NAMM 2010 немного видео с зимней выставки

Mr.Big объявили о скором выходе нового альбома «What If»

Gus G принял участие в записи трибьюта Gary Moore

Видео Pyrokinesis с нового альбома Tony MacAlpine

© 2009 - 2010 GuitarLine.Ru | Andy Timmons о записи альбома Resolution |
рубрики: CD's, Гитаристы, Избранное
метки: Andy Timmons

Когда начинаешь заниматься на гитаре, никто не говорит что будет легко, а если и говорит, то либо ошибается, либо просто лукавит. Обучение игре на гитаре сродни обучению иностранному языку. В первые дни будут выучены пара фраз, однако, для общения этого будет явно не достаточно, и тогда придется хорошенько поработать. Наличие хорошего преподавателя, который знает, как мотивировать ученика и как его заинтересовать, конечно, только положительно повлияет на процесс. Но мотивировать на занятия себя можно и самому, даже когда кажется что лень уже поборола все рубежи сопротивления.

Самый действенный метод, это просто взять гитару в руки. Не пытайтесь задумываться о планах обучения или о том, что хотелось поснимать, просто возьмите гитару. Как только инструмент попадет к вам в руки, нужно просто начать играть. Это может быть аккорд, фраза или целая песня. Незаметно пролетит время, и вы поймете, что провели за инструментом достаточно много времени. Чтобы этот метод работал, гитара должна быть на виду, и всегда должна быть настроена. Идеальный вариант, если все гитарное оборудование (шнуры, примочки, комбики) будут уже заранее подключены, и будет нужно только нажать кнопку включения. Иногда, конечно приходиться разгребать свалки шнуров и педалей, чтобы провести генеральную уборку, но сразу после уборки возвращайте все на свои места. Когда придет вдохновение или тяга к занятиям, будет не очень хорошо, если придется потратить полчаса на коммутацию.

Для некоторых моих знакомых разочарование в собственных силах является самым основным мотивирующим фактором на дальнейшие упорные занятия. Но для большинства диванных гитаристов, этого будет достаточно чтобы они прекратили заниматься вообще. Чтобы лишний раз не разочаровывать себя и окружающих, нужно хорошенько поработать над планом занятий и над структурой. Не пытайтесь играть песни или фразы, которые вам не по зубам. Я не говорю, о том что вам нужно прекратить заниматься новым более сложным материалом. Нет, конечно, вы должны изучать что-то новое постоянно, но не стоит требовать от себя невозможного. Чтобы начать играть быстро, начинающему гитаристу следует много времени уделить отработке фраз в медленном темпе, и постепенно повышать его. Этот метод очень хорошо избавляет от разочарований.

Возьмите фразу, например, указанную выше и сыграйте ее в темпе 65 ударов в минуту. Если в этом темпе вы чувствуете себя комфортно, прибавьте 5 ударов и попробуйте сыграть эту же фразу, но уже при 70 ударах в минуту. Есть проблемы? Снова вернитесь к 65, сыграйте фразу несколько раз, затем нарастите темп, но теперь уже только на 3 удара, затем продолжайте увеличивать темп.

Позанимавшись не менее получаса над фразой, вы будете приятно удивлены результату. Хотя и в этом случае темп наращивания скорости вас может не устроить. Что ж, легких путей нет, придется продолжать.

Для каждой фразы заведите листок, в котором будете отмечать дату дня когда вы над ней работали, саму фразу и темп. Так вы сможете проконтролировать прогресс, и этот отчет о проделанной работе поможет избежать разочарований в будущем. Постепенно начальный темп для отработки фраз, и шаг, на который вы будете увеличивать темп, будут расти, как и ваш настрой.

скачать лист расписания для отработки упражнений

Еще один способ поддержать себя в трудные минуты занятий - получить положительные отзывы окружающих. Нас приучают с детства слушать мнение окружающих, многим оно порой заменяет свое собственное. Я не предлагаю вам полагаться только на мнение ваших знакомых, но конструктивная критика или похвала еще никому не помешала.

Спрашивайте мнение знакомых гитаристов о вашей технике и фразировке, или о репертуаре, который вы изучаете. Чтобы получить больше положительных отзывов от знакомых не гитаристов, я бы посоветовал разучить несколько популярных песен (Yesterday или Rock Around Clock например), во-первых, чем больше вы будете знать песен, тем лучше, во-вторых, играя простые песни вы будете чувствовать себя более уверенно, и получите свою дозу положительных отзывов от родителей и знакомых.

Если и это не сработает, попробуйте прикупить какого-нибудь гитарного барахла, от диска любимого гитариста или просто гитарного сувенира до новой гитары или усилителя. Чем дороже будет покупка, тем сильнее будет мотивация заниматься после нее. Особенно если эту гитару/примочку/усилитель вы уже давно хотели купить и откладывали на потом. Сейчас самое время подумать о мотивации, так как приближаются длительные праздники во время которых можно неплохо поработать и отдохнуть.

Если нет денег, то можно просто попробовать снять песню любимого исполнителя, возможно это будет довольно сложным заданием, но тут опять же может помочь системный подход. Выберите песню, разделите ее на части(обычно песни строятся по структуре AABA, так же и разделяйте: куплет1, припев1, куплет2, припев2, часть B, припев3, припев4). На каждую часть песни выделите по 4 часа времени, и начните работу. Посчитайте количество тактов в части, вслушайтесь в количество инструментов, которые вы слышите, определите тональность и первый аккорд, и просто начните работу. После того как песня будет полностью разобрана, вы сможете поднять свой навык съема композиций на новый уровень, а заодно и мотивировать себя на дальнейшие свершения.

У Артура Хейли в книге "Колеса" есть замечательное наблюдение по поводу конвейера по производству машин. Там высказывается мысль, что работник, который работает на одном месте и закручивает каждый день одну и ту же гайку или устанавливает деталь на машину на конвейере, чувствует себя довольно несчастным. Это объясняется тем, что человек любит видеть результат своего труда, на конвейере же труд теряет смысл, поток машин не останавливается, сборка не прекращается. То же самое и в обучении игре на гитаре, нельзя останавливаться, но нужно устраивать для себя определенные checkpoints, на которых можно увидеть конкретный результат своей работы, и лишний раз мотивировать себя на дальнейшие занятия. Это может быть как законченный съем композиции или концерт с новой группой, так и сочинение, и запись собственной композиции.

Помните, что мотивация в любом деле - это ключ к успеху, и тем более, в таком трудном и интересном вопросе, как изучение музыки и обучение игре на гитаре, мотивация играет первостепенную роль. Чтобы не растерять весь свой первоначальный запал в обучении, старайтесь почаще переключаться в различных изучаемых темах, и разнообразить занятия. Изучайте интересные техники(например, двуручный теппинг), слушайте больше музыки, общайтесь с коллегами, играйте на публике и слушайте критику. Ну и главный совет: играйте на гитаре!

PS: Одним из лучших способов мотивация на занятия на гитаре, может послужить прочтение статей с откровениями о собственном опыте, например, такие - как я учился играть на гитаре.



Как сделать свои занятия на гитаре более продуктивными

Держите гитару включенной или как заставить себя больше заниматься

Как заниматься игрой на гитаре, даже без гитары

Как научиться играть на гитаре на слух

Как достичь ощутимого эффекта от занятий на гитаре?

© 2009 - 2009 GuitarLine.Ru | Как мотивировать себя на занятия на гитаре |
рубрики: Избранное, Советы начинающим
метки: мотивация

У гитариста не может быть много педалей эффектов. Мы все любим примочки, от дисторшн(у некоторых бывает по 10 различных перегрузов) до умопомрачительных эффектов (такие как всяческие раритетные фленжеры, которыми можно пользоваться раз в год в одной песне). От тюнеров до различных свитчеров и переключения цепей эффектов. Так что переизбытка педалей не может быть, они все всегда для чего-нибудь нужны.

Довольно веселое занятие коллекционирования педалей, они дешевы в сравнении с гитарами и усилителями, поэтому это весьма доступная для многих забава. Часто знакомые дарят педали диванным гитаристам на дни рождения или другие памятные даты. Во время записи на студии, множество педалей только помогают процессу, и с точностью до наоборот на живых выступлениях. Чем больше приходиться топтаться по маленьким кнопочкам в темноте сцены, тем хуже это отражается на музыке коллектива. Marty Friedman, у которого как и у Greg Howe вчера 8 ноября был день рождения(наверное им тоже подарили по педальке, но уже производители...), использует гитарного техника в качестве свитчера на концертах, он сидит за сценой и давит на кнопки, а в это время Marty целиком погружается в музыку. Так было и на концерте в клубе Точка в этом году, где Marty Friedman зажигал в компании японцев.

Для владельцев множества педалей, есть хорошее решение - использовать комбинированные устройства с программируемыми функциями, например, процессор модуляции может быть один, и иметь возможность переключать банки. Так можно сократить свое топтание одновременно по хорусу, дилею, реверу, фленжеру... Конечно, такие устройства не звучат так же хорошо как бутиковые педали эффектов, но в этом нет ничего плохого. Тысячи профессиональных гитаристов по всему миру играют через серийные процессоры или педали и не испытывают проблем, все же звук скорее в руках чем в волшебных коробочках.

Через меня прошло множество педалей, было время когда я таскал с собой целую атомную станцию, но всегда находился кто-то у кого эффектов было еще больше. В один прекрасный день это надоело и пришлось все педальки продать и купить довольно стандартную связку преамп Marshall JMP-1, о котором я уже писал немного, и TC Electronics G-Major. Звук был именно таким, какой был мне нужен и что самое главное он всегда был стабилен, т.к. я не пользовался преампами площадок где играл, а использовал свой Marshall. Плюсом было полное управление по миди и возможность создавать множество своих собственных патчей, иногда я использовал до 17 различных патчей, что сейчас вспоминаю как страшный сон).

Но в последнее время я опять занялся накопительством педалей различных цветов и размеров, и снова встал вопрос о темноте сцены и проблеме переключения. На помощь пришел Google и был найден следующий девайс - Pedalboard Lighter(34,95$ mightybright.com) это две небольшие лампы, которые могут осветить практически любых размеров педалборд. Пока я не заказал этот девайс, в голову пришла мысль, что можно использовать обычную лампочку, которые используют для подсветки клавиатуры ноутбуков. Просто придется подвести питание на соответствующие контакты USB, или вообще убрать USB коннектор и сделать полноценные клемы, которые можно будет подключать к трем "пальчиковым" батарейкам. Такое решение обойдется всего в 10-14 долларов, но избавит от множества проблем, и снова не придется ломать голову над вопросом сокращения размеров педалборда, а придется задуматься о покупке второй лампочки и второго борда.

Ну и напоследок, мой любимый анекдот в тему коллекционирования гитаристами различного оборудования:

Жена или кто-то из родителей заходит в вашу комнату со всем гитарным барахлом.

"Дорогой" говорит она "У тебя студия полная гитарного барахла, и я вижу здесь 6 усилителей. Скажи мне честно, сколько тебе их нужно?"

Стандартный ответ - "еще один, дорогая".

Она, оценив сарказм, отвечает "да ладно, ты же не можешь играть на них всех одновременно."

"Я знаю, но когда мне нужен какой-то конкретный гитарный звук, я включаю нужный мне усилитель и записываю его."

"Ага! А как на счет концертов? Обычно с собой на них ты берешь только один усилитель. Но если мистер Придирчивый-к-Звуку настолько обеспокоен своим звучанием, почему ты не таскаешь с собой несколько усилителей?" уже начинает раздражаться она.

"Для этого у меня есть все эти педали..."

96 педалей BOSS или все же искусство?

Top 10 педалей эффектов для гитары 2009 года

Winter NAMM 2012 три прототипа новых педалей эффектов: Z.VEX Sonar, Z.VEX Double Rock и Z.VEX Loop Gate

Немного видео с Musikmesse 2010

Краткий обзор основных гитарных эффектов

© 2009 - 2009 GuitarLine.Ru | Педалей много не бывает |
рубрики: Избранное, Оборудование
метки: Выбор оборудования, Эффекты

Сегодня хочется рассказать о гитаристе, которого пока мало кто знает, однако он один из наиболее ярких представителей современной европейской фьюжн сцены. Мое знакомство с творчеством Gerald Gradwohl началось с того, что на страничке MySpace Scott Henderson я обнаружил его в первых рядах в списке друзей, зная что в мире есть множество неизвестных широким массам, но очень интересных музыкантов, я кликнул на ссылку и попал на страницу Gerald Gradwohl. Так я впервые услышал об альбоме ABQ, на альбоме кроме самого гитариста трудится ритм секция группы Tribal Tech в лице бассиста Gary Willis и барабаньщика Kirk Covington, но еще более удивительным было присутствие саксофониста Bob Berg, надо сказать, руководствуясь советами Frank Gambale снимать как можно больше музыки других музыкантов, и тем более не гитаристов, я в тот момент как раз увлекался музыкой Bob Berg.

Что ж, весьма отличные предпосылки к тому чтобы диск понравился. В конце концов, не каждый гитарист в мире осмелится заменить гуру фьюжн гитары Scott Henderson в рядах выходцев Tribal Tech.

C первой же песни альбом радует бескомпромиссным фьюжн, унисонные партии с саксофоном звучат очень интересно и свежо. Стиль Gerald как-будто соткан из множества влияний (Mike Stern, Frank Gambale, Scott Henderson) однако, он звучит очень самобытно и если и есть какие-то намеки на этих грандов фьюжн гитары, то это скорее дань уважения, чем копирование.

Gerald играет очень в кассу, когда надо это прифанкованный грув или блюзовый брейк-ап, иногда он может и удариться в "скачки по грифу", но всегда его партии остаются музыкой.

Gerald Gradwohl родился в Австрии в 1967 году, закончил музыкальную школу J.M.Hauer music school по классической гитаре и Jazzguitar в Вене получив в 1989 диплом как лучший студент. С 1991 года Gerald преподавал гитару в Joseph Haydn Conservatory/Eisenstadt (A) с 1991 по 1998 годы преподавал электрогитару в музыкальной школе Eisenstadt, с 2006 года возглавдяет джазовое отделение J.H. Conservatory Eisenstadt.

Gerald один из самых заметных музыкантов Австрии и всей Европы, он известен своими студийными и концертными работами с такими европейскими звездами как Juci, Iris Camaa, Sandra Pires, Andi Borg, Victor Gernot, Hallucination Company и другими. С 1995 по 1999 год Gerald Gradwohl работал с группой Tangerine Dream, пионерами инструментальной музыки(группа играет с 1967 года). Гитару Gerald можно услышать на работах группы:  "Tyranny of Beauty" и "Goblin's Club".

Его сольная карьера более интересна. Буквально недавно Gerald выпустил новый альбом "Sally Beth Roe", теперь дискография гитариста насчитывает 7 дисков выпущенных под его именем или проектами, которые организовывал и продюсировал Gerald.

На дисках Gerald можно услышать не только его самого, часто у него множество приглашенных музыкантов, на Tritone Barrier можно, например, услышать несколько соло Scott Henderson.

Некоторые влияния Gerald можно проследить по тому оборудованию на котором он играет. В его арсенале есть сразу два именных инструмента Frank Gambale, что вообщем-то неудивительно с учетом того что в проекте PowerGrade есть композиция под названием "The sweeper" с целым каскадом красивых свиповых арпеджио.

Вот что Gerald говорит о своем новом альбоме: "После выпуска последнего альбома Tritone Barrier в 2007 у группы было много концертов по Европе, в этот период я написал множество песен, специально для трио. Когда мы решили записать новый альбом мы хотели чтобы звучание было максимально приближено к живому исполнению, чтобы передать всю ту энергетику и веселье, которыми обычно сопровождаются наши концерты. Все партии были записаны за три дня, за исключением нескольких наложений. В студии мы писали по 2 или 3 дубля на каждую песню, обычно нам больше всего нравился первый дубль, поэтому с середины записи мы решили писать по одному дублю. Так мы записали песни "Blues", "No Matter" и "Joni". Для меня наш новый альбом звучит достаточно по-старому, как записи моих любимых исполнителей времен юности, я надеюсь, вы так же сможете насладиться той атмосферой и энергетикой, которую мы постарались передать нашей музыкой!"

Jeff Berlin о груве

Top 10 песен AC/DC

Jackson T-1000 именная гитара Scott Ian из Anthrax

Guitar World. Top 10 Shred Albums

Tetsuo Sakurai представил новый альбом с Greg Howe и Dennis Chambers

© 2009 - 2009 GuitarLine.Ru | Gerald Gradwohl – из Австрии с любовью |
рубрики: Гитаристы, Избранное
метки: Gerald Gradwohl

Для тех кто не в курсе, John Suhr начал свою карьеру 35 лет назад в New Jersey. Он сам был гитаристом и поиски идеального инструмента заставили его заняться производством гитар. В начале карьеры он работал в магазине в New York и тогда впервые свет увидели инструменты под маркой "Pensa-Suhr". Под этим брендом John Suhr производил гитары для Mark Knopfler,Eric Clapton, Peter Frampton, Lou Reed, Bill Connors, Steve Stevens, Reb Beach, Pat Thrall, Little Steven, Victor Bailey (Pensa-Suhr Bass), Chuck Loeb,Eddie Martinez и многим другим.

Лицом компании сейчас выступают такие гитаристы как Scott Henderson, Guthrie Govan, пару лет назад активно использовал в работе гитары Suhr Greg Howe, Reb Beach, Steve Stevens, Steve Trovato и другие. Некоторое время назад компания переименовала свое подразделение Custom Audio Amplifiers и теперь выпускает высококлассные усилители под макрой Suhr. В России на гитарах Suhr играют звезды фьюжн сцены Федор Досумов(Alko Trio) и Юрий Топчий(Zeintnot).

После такой предыстории хочется рассказать о том как на этих выходных прошло мое знакомство с инструментами фирмы Suhr. Хочется сказать отдельное спасибо компании ProGita.ru благодаря которой состоялось это тестирование. На рассмотение был предложен инструмент из более дорогой линейки Custom Classic. Корпус гитары изготовлен из ольхи, гриф - волнистый клен, накладка - индийский палисандр, локовые колки и стандартные сингловые датчики Suhr V60LP(кстати, о датчиках можно почитать классные статьи здесь).

Вообще кажеться что это всего лишь копия серийных гитар Fender, но первый взляд довольно обманчив. По оборотной стороне грифа понятно, что дерево весьма дорогое. Далее, конечно, электроника, установлены довольно дорогие датчики Suhr, и отличная фурнитура.

У гитары очень интересный цвет Candy Apple Red, в дневном свете она играет отливами красного цвета, на звук конечно такая красота не влияет, но глаз радует. К сожалению на фотографиях передать в полной мере цвет не получилось.

Инструмент очень отзывчивый и даже на неподключенной гитаре игра звучит довольно громко, дерево отлично резонирует. Чистый звук инструмента безусловно не вызывает нареканий, но и на перегрузе в комбинации с ZVEX Distortron гитара выдала отличный плотный саунд без лишних помех и шумов.

SUHR Guthrie Govan set-neck

Gibson Randy Rhoads 1974 Les Paul Custom

NAMM 2010 немного видео с зимней выставки

Краткий обзор основных гитарных эффектов

NAMM 2010 новые гитары Parker DragonFly

© 2009 - 2009 GuitarLine.Ru | Обзор гитары Suhr Custom Classic |
рубрики: Избранное, Оборудование
метки: guitar, Выбор оборудования